De l'erreur et de l'inconnu naissent les plus belles surprises.
Ma production est heteroclite, n'inféodant aucun médium à un autre. Le texte, l'image, l'histoire, les textures se conjuguent, se répondent, se chamaillent. Comme les sensations sont plurielles, les images qui me parlent le sont également. Et si cela ne veut rien dire, tant pis.
Je m'appelle Margot Araujo, je suis photographe et artiste graveur. J'ai expérimenté d'anciennes techniques, ce qui explique pourquoi je me qualifie parfois d'artiste aux techniques mixtes. J'ai développé un corpus d'œuvres qui n'incluait d'abord que la photographie, puis l'impression à l'eau-forte et, très récemment, le lettrage. Tous les aspects de mon identité, de mon parcours personnel et professionnel se sont rejoints pour alimenter le processus artistique qui m'a conduit jusqu'ici.
Je suis attirée par la photographie floue et tout ce qui peut créer des cadres, des fenêtres, des miroirs dans une image. Ma première série d'œuvres, Et In Arcadia Ego, en est le résultat et dans de nombreux cadres que j'ai sélectionnés pour faire partie de cette série, l'importance des discréptions, le faible niveau de visibilité et les cadres reviennent sans cesse. Saul Leiter est un photographe qui m'inspire. Dans ses photos, tout est en place mais tout est en désordre. C'est l'idée que je recherchais en travaillant sur ce projet.
Les mots, le langage et, plus récemment, le lettrage et la typographie (les mots en tant que forme) ont également eu une importance significative pour moi : c'est une manière d'ajouter une couche supplémentaire de compréhension, parfois en déformant l'idée principale que le spectateur peut avoir de l'image.
Je suis attirée par la photographie floue et tout ce qui peut créer des cadres, des fenêtres, des miroirs dans une image. Ma première série d'œuvres, Et In Arcadia Ego, en est le résultat et dans de nombreux cadres que j'ai sélectionnés pour faire partie de cette série, l'importance des discréptions, le faible niveau de visibilité et les cadres reviennent sans cesse. Saul Leiter est un photographe qui m'inspire. Dans ses photos, tout est en place mais tout est en désordre. C'est l'idée que je recherchais en travaillant sur ce projet.
Les mots, le langage et, plus récemment, le lettrage et la typographie (les mots en tant que forme) ont également eu une importance significative pour moi : c'est une manière d'ajouter une couche supplémentaire de compréhension, parfois en déformant l'idée principale que le spectateur peut avoir de l'image.
Avec le temps, la composition des images ne semblait plus correspondre à l'objectif que je visais.
J'ai commencé très jeune avec le collage, comme le font la plupart des enfants, mais si j'ai senti qu'il n'avait pas de valeur ou de but, le collage et les techniques mixtes m'ont ouvert un monde d'équilibre, où de petits bouts de papier devaient être collés ensemble pour créer une composition plus grande.Au fil du temps, j'ai commencé à utiliser différentes techniques dans le même but de lier des morceaux ensemble : images, gravure, presse à lettres et autres.
En 2021, après avoir passé une année entière à apprendre la gravure à l'eau-forte, j'ai commencé à expérimenter la combinaison de la photographie et de la gravure à l'eau-forte. Il ne m'a pas fallu longtemps pour passer de la chambre noire à la salle d'impression, en passant la moitié de la journée dans l'une et la fin de la journée dans l'autre.
Cela n'aurait pas pu être mieux : cela m'a donné la liberté dont j'avais besoin pour approfondir l'introspection, l'innovation et me donner de l'espace pour penser, faire des choses différentes ou ne rien faire.Je me suis simplement imprégné d'une idée, pour lui donner forme ou la laisser aller.
En outre, il est essentiel pour moi de multiplier les supports, même ceux que je n'avais pas prévu d'inclure dans mes projets.Travailler sur différents supports m'a permis de stimuler ma créativité, mais aussi de continuer à penser à mon projet principal tout en travaillant sur quelque chose de complètement différent : par exemple, j'ai commencé à terminer chaque journée de travail à Stundars avec une aquarelle, parce qu'il y a une table lumineuse qui m'a permis de transférer facilement un dessin de fond sans avoir besoin d'une table lumineuse pour le faire. Travailler sur différents supports m'a permis de stimuler ma créativité, mais aussi de continuer à penser à mon projet principal tout en travaillant sur quelque chose de complètement différent.
J'ai commencé très jeune avec le collage, comme le font la plupart des enfants, mais si j'ai senti qu'il n'avait pas de valeur ou de but, le collage et les techniques mixtes m'ont ouvert un monde d'équilibre, où de petits bouts de papier devaient être collés ensemble pour créer une composition plus grande.Au fil du temps, j'ai commencé à utiliser différentes techniques dans le même but de lier des morceaux ensemble : images, gravure, presse à lettres et autres.
En 2021, après avoir passé une année entière à apprendre la gravure à l'eau-forte, j'ai commencé à expérimenter la combinaison de la photographie et de la gravure à l'eau-forte. Il ne m'a pas fallu longtemps pour passer de la chambre noire à la salle d'impression, en passant la moitié de la journée dans l'une et la fin de la journée dans l'autre.
Cela n'aurait pas pu être mieux : cela m'a donné la liberté dont j'avais besoin pour approfondir l'introspection, l'innovation et me donner de l'espace pour penser, faire des choses différentes ou ne rien faire.Je me suis simplement imprégné d'une idée, pour lui donner forme ou la laisser aller.
En outre, il est essentiel pour moi de multiplier les supports, même ceux que je n'avais pas prévu d'inclure dans mes projets.Travailler sur différents supports m'a permis de stimuler ma créativité, mais aussi de continuer à penser à mon projet principal tout en travaillant sur quelque chose de complètement différent : par exemple, j'ai commencé à terminer chaque journée de travail à Stundars avec une aquarelle, parce qu'il y a une table lumineuse qui m'a permis de transférer facilement un dessin de fond sans avoir besoin d'une table lumineuse pour le faire. Travailler sur différents supports m'a permis de stimuler ma créativité, mais aussi de continuer à penser à mon projet principal tout en travaillant sur quelque chose de complètement différent.
Et j'ai le sentiment de toujours tirer satisfaction, inspiration et énergie d'un autre domaine de travail, d'une autre expérience, d'un autre média ou même d'une autre activité.J'en tire des avantages, j'apprends d'eux ou je recharge ma batterie grâce à eux.
Je dois garder une place pour l'improvisation et l'innovation, même si cela conduit à l'échec. L'art n'est pas un résultat, c'est un processus, mais c'est aussi un terrain de jeu.C'est juste un jeu d'essai. Je suis très consciente de l'égoïsme et de l'égocentrisme des processus artistiques et des artistes.L'art vient de vous et il est donné au reste du monde comme une chose finie et polie à contempler. Mais l'art et les processus artistiques (car il ne peut y avoir d'art sans processus) sont au contraire l'expérience la plus humble de l'être humain.Vous prenez quelque chose de vous qui sera modifié par le processus de création et vous le partagez avec les autres.
Je ne veux pas céder à la tyrannie des résultats. J'aime, même si c'est douloureux, devoir accepter que la création que je suis venu faire n'a rien à voir avec ce que j'attendais. C'est une leçon d'humilité que de faire face à la différence entre mes croyances, mes désirs et la réalité. Cela m'emmène dans des endroits auxquels je n'aurais jamais pensé. La tyrannie, parce qu'il est évident que lorsque l'on travaille sous commandement ou pour une résidence, on doit tenir ses promesses, on a un programme, un calendrier et on attend de nous des résultats. Mais l'art survient, l'échec et le succès inattendu. Les choses que vous avez réalisées une fois ne seront peut-être plus jamais réalisables.
Je dois garder une place pour l'improvisation et l'innovation, même si cela conduit à l'échec. L'art n'est pas un résultat, c'est un processus, mais c'est aussi un terrain de jeu.C'est juste un jeu d'essai. Je suis très consciente de l'égoïsme et de l'égocentrisme des processus artistiques et des artistes.L'art vient de vous et il est donné au reste du monde comme une chose finie et polie à contempler. Mais l'art et les processus artistiques (car il ne peut y avoir d'art sans processus) sont au contraire l'expérience la plus humble de l'être humain.Vous prenez quelque chose de vous qui sera modifié par le processus de création et vous le partagez avec les autres.
Je ne veux pas céder à la tyrannie des résultats. J'aime, même si c'est douloureux, devoir accepter que la création que je suis venu faire n'a rien à voir avec ce que j'attendais. C'est une leçon d'humilité que de faire face à la différence entre mes croyances, mes désirs et la réalité. Cela m'emmène dans des endroits auxquels je n'aurais jamais pensé. La tyrannie, parce qu'il est évident que lorsque l'on travaille sous commandement ou pour une résidence, on doit tenir ses promesses, on a un programme, un calendrier et on attend de nous des résultats. Mais l'art survient, l'échec et le succès inattendu. Les choses que vous avez réalisées une fois ne seront peut-être plus jamais réalisables.
Les erreurs et l'imprévisibilité sont la véritable essence du processus d'humilité qu'est la création artistique.Comprenez que ce que vous pouvez faire pour le moment est exactement ce que vous êtes en train de créer. Comme en archéologie sous-marine : il vaut mieux laisser certains sites intacts jusqu'à ce que la bonne technologie apparaisse pour tirer le meilleur parti de l'excavation : il en va de même pour les projets, les techniques et les idées.
Cela me laisse avec la seule et unique question en suspens :Pourquoi ai-je envie de faire les choses de cette façon et pas d'une autre, surtout si l'on est confronté à l'échec ?Il fallait que ce soit ainsi.C'était censé être ainsi.Je considérais l'art d'un point de vue fataliste.Il n'y a pas d'échappatoire, il nous est inspiré par la muse grecque en charge du médium qui me chuchote à l'oreille lorsque j'y pense le moins, alors il faut le faire de cette façon. Jusqu'à ce que le processus commence et qu'il apparaisse très différent du murmure original.C'est ainsi que l'on reprend le pouvoir sur ce que l'on fait.En lâchant prise.
Cela me laisse avec la seule et unique question en suspens :Pourquoi ai-je envie de faire les choses de cette façon et pas d'une autre, surtout si l'on est confronté à l'échec ?Il fallait que ce soit ainsi.C'était censé être ainsi.Je considérais l'art d'un point de vue fataliste.Il n'y a pas d'échappatoire, il nous est inspiré par la muse grecque en charge du médium qui me chuchote à l'oreille lorsque j'y pense le moins, alors il faut le faire de cette façon. Jusqu'à ce que le processus commence et qu'il apparaisse très différent du murmure original.C'est ainsi que l'on reprend le pouvoir sur ce que l'on fait.En lâchant prise.
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My name is Margot Araujo, I am a photographer and etching printing artist. I have been experimenting with old techniques which explains why I also sometimes call myself a mixed media artist. I developed a body of work that first only included photography, then etching printing and very recently lettering. Every aspect of my identity, personal and professional journeys came together to feed the artistic process that led me here.
I have attracted to blurry photography and everything that could create frames, windows, mirrors in an image. My first body of work, Et In Arcadia Ego, is the result of this and in many of the frames I have selected to be part of this series, the importance of discreptancies, the low level of visibility and frames kept coming back. An inspiring photographer for me is Saul Leiter. In his pictures everything fits into place but everything is a mess. Thats the idea I was after when working on this.
Words, language and very recently lettering and typography (words as a shape) have also had a significant importance for me : Its a way of adding an extra layer of understanding, sometimes twisting the main idea the viewer might have on the image.
With time, the composition in pictures seemed to no longer fit the purpose I aimed at. I started at a young age with collage, as most kids do but If I felt it had no worth, value or purpose, collage and mixed media technique opened to me a world of balance, where tiny bits of paper had to be glued together to create a bigger composition. As time went by I started to use different technique with the same purpose of binding pieces together : pictures, etching printing, lettering press and others.
In 2021, after completing an entire year of learning etching printing, I started experimenting with combining photography and etching printing. It didn’t take long for me to go from the dark room to the printing room spending half the day in one, finishing the day in the other.
It couldn’t have been better: it gave me the freedom I needed to go deeply into introspection, innovation and giving myself space to think, do different things or not doing anything. Just soaking into an idea, to give form to it or to let it go.
Besides it key for me to multiply medium, even the ones that I had not planned to include into my projects. Working on different medium helped trigger my creativity but also gave me space to keep thinking about my main project while working on something completely different at the same time : For instance I started finishing each day of work at Stundars with a watercolor, because there is a light table that made it easy for me to transfer a background drawing without being too careful with perspective and everything, because I have no interest in that. I find my creativity being fueled more vividly when doing something completely different for a while, it helps me escape while being focused. And I feel I always gain satisfaction, inspiration and energy from another field of work, experience or medium, or even activity. I gain from it, I learn form it or I recharge my battery with it.
I need to keep room for improvising and innovation even if it leads to failure. Art is not a result, it is a process but it is also a playground. It is just a game of trying. I’m very much aware of how selfish and egocentered art processes and artist can be. It comes from you and it is given to the rest of the world as finished polished thing to be contemplated. But art and art processes (because there cannot be any art without the process), is on the contrary the most humbling experience of being human. You take something from you that will be altered by the process of creation and share it with people.
I don’t want to surrender to the tyranny of results. I love it, even painfully, when I have to accept that the creation I came to create is nothing I had expected. Humbling, to deal with the difference between my beliefs, desire and reality. It takes me to places I would have never thought of. Tyranny because obviously when working under command or for a residency you have to deliver, you have a program, a schedule and results are expected from you. But then art happens, and failure and unexpected success. Things you have achieved once might never be achievable again.
Mistakes and unpredictability are the true essence of the humbling process of making art. Understand that what you can do for the moment is exactly what you are coming up with. Like in underwater archeology : some sites are better left untouched until the right technology comes up to make the most out of the excavation : same with project, techniques, ideas.
It leaves me with the one and only question open: Why do I feel like doing thing this way and not that way, especially if you face failure? It had to be. It was meant to be this way. I considered art from a fatalist perspective. There is no escape, it is inspired to us by the greek muse in charge of the medium whispered to my ears when I least think about it then it has to be done that way. Until the process starts and then it appears to be very different from the original whisper. That’s how you regain power over what you do. By letting go.